También llamado "The Shape" (la Forma), Michael Myers es un ser humano, pero esencialmente maligno e indestructible, que encierra en su interior un espíritu malvado equiparable al del mismísimo diablo, quien no necesita pretextos ni justificaciones para ser maligno. La implicación de un Culto Celta en el Caso Myers arroja nueva luz sobre posibles explicaciones de su fuerza sobrenatural, e incluso de su increíble don de supervivencia, así como de sus motivaciones. Myers posee una runa de "Mal" grabada en su brazo, se hacen varias conjeturas sobre que es la "Maldición de Thorn" lo que lo mueve a asesinar a todo su familia hasta no quedar ni uno, consecuencia de rituales paganos que los druidas realizaban antaño en las "Noches de Todos los Santos". Michael Myers mide entre 1.85 y 1.92 metros, pesa entre 80 y 90 kilos, y tiene unos 47 años, oculta su rostro con una máscara blanca que tiene un alto poder metafórico, el asesino puede ser nadie o cualquiera, (como nos demuestra el prologo en vista subjetiva que abre la película y que nos indica que el asesino en ese momento somos nosotros, ya que vemos a través de sus ojos), viste un mono de mecánico monopieza de color gris y unas botas negras.

Infancia
Michael Audrey Myers nació el sábado 19 de octubre de 1957 en Haddonfield, Illinois, sus padres eran Donald y Edith Myers, Michael tenia dos hermanas Judith Margaret y Laurie Ann Myers. Debido al tiempo que Michael pasaba solo, empezó a oír voces, unas voces que solamente podía oír el.... y que le incitaban a matar. La noche de Halloween de 1963 Michael Myers, con solo seis años ya no puede reprimir las extrañas voces ni un momento más, y asesina a su hermana mayor con un cuchillo. Por este crimen, Michael es enviado a un psiquiátrico donde permanece durante quince años a cargo del Doctor Sam Loomis. El 30 de Octubre de 1978, Michael se fuga y regresa a Haddonfield (Illinois) para continuar lo que empezó hace 15 años.

Noche de Brujas de 1963

31 de octubre de 1963, Dorris Blankenship (abuela de Michael) cuidaba a Michael de seis años de edad, y su hermana Laurie de 4 años. Michael cruzó la calle y vio a su hermana Judith Margaret Myers y su novio sentarse y besarse en el sofá para posteriormente retirarse a arriba. Michael, todavía vestido en su traje de payaso, usado para esa Noche de Brujas, entró en la casa a través de la cocina, tomó un cuchillo de una gaveta de la cocina y esperó hasta que el muchacho dejara la casa. Michael caminó subió las escaleras y apuñaló brutalmente a su hermana hasta matarla.

Peliculas: 1.- Halloween(1978).
2.- Halloween 2 (1981)
3.- Halloween 4: El regreso de Michael Myers(1988)
4.- Halloween 5: La venganza de Michael Myers(1989)
5.- Halloween 6: La maldición de Michael Myers.(1995)
6.- Halloween H20: Veinte años después (1998)
8.- Halloween Resurrección. (2002)
Halloween 2007

En junio de 2006, fue anunciado que Rob Zombie sería el encargado de escribir, dirigir y producir un remake de la película original con una fecha de estreno en Octubre de 2007. Mientras que la película será un nuevo principio a la saga, se ha dicho que seguirá apareciendo el personaje de Michael Myers. En una entrevista en el sitio oficial de la película, Rob Zombie contestó a unas preguntas con respecto a la película, asegurando que la máscara seguirá siendo la “clásica.” En muchas entrevistas habla sobre una postsecuela que explique y amplíe las razones de los actos de Michael y su vida durante su reclusión y antes de escapar del sanatorio de Smith's Groove.
El estado, que permite que él se recupere de experiencias mortales, a su propia rabia natural y psique murderous, se acepta más comúnmente para ser causado por la maldición de la espina, según lo indicado en la sexta película. Esta maldición posee y obliga a Michael que maten a todos los miembros de su familia, y a todo que estén parados de su manera. Según mito, esto se supone para ahorrar la “aldea” Michael habita de una forma de plaga o de desastre. Con ése en mente, es posible que Michael acepta solamente renuente los deberes de su trabajo, y se siente realmente que matando a esta gente, él está haciendo cuál es el mejor para la humanidad. La maldición utiliza a Michael como nada más que una marioneta y una guía a las víctimas apropiadas. La espina se parece aprovisionar de combustible a Michael de una manera que excede lejos cualquier capacidad humana ordinaria, puesto que él era totalmente móvil, sin importar el hecho de que sus músculos fueron supuestos para serte virtualmente inútiles. También se teoriza que Michael mismo, el hombre detrás de la máscara, siente el remordimiento para su matanza. En Halloween 5, él se parecía luchar detrás la maldición y cuando él quitó su máscara, Michael lloró . Era como si él sí mismo no estaba en el control de acciones, o fue forzado para actuar por la maldición y podría ser poseído por la maldición. Han salido a Michael, en la ocasión, de su manera para matar a cierta gente, a saber, los miembros del culto. Es desconocido qué Michael pudo haber aguantado en sus manos, y como tal, él pudo haber tenido una revancha contra ellos, desde tomar tiempo para matarlos retardaría su progreso hacia el bebé Steven, allí no es ningún motivo lógico para la matanza de la espina ellos. Puede también tener algo hacer con el hecho de que él tenía lo que él necesitó, su meta estaba a punto de ser logrado. Él tomó quizá el momento para reflejar en todo que él había ido a través, permitiendo al viejo Michael Myers, el pequeño, tímido, niño a despertar. Pero cuando su sobrina intentó limpiar su rasgón, encajó a presión su tren del pensamiento y lo trajo derecho de nuevo a donde él se fue apagado.

En 1995 tocaron en un club de Rock y el representante de una discográfica los invitó a grabar un disco. Como la mayoría de sus versiones eran de Metallica decidieron grabar el disco exclusivamente con canciones de ellos. Así, en 1996 bajo el nombre de Apocalyptica (fusión de Apocalypse y Metallica) surgió Plays Metallica by Four Cellos, el cual vendió millones de copias alrededor del mundo. Ese mismo año, el 18 y 19 de Noviembre, abrieron para Metallica durante sus dos conciertos en Helsinki.

En 1998, tras el éxito de su primer álbum, lanzaron Inquisition Symphony, que contenía más de sus covers de Metallica y de otras bandas, como Sepultura, Faith No More y Pantera. Además incluía tres temas originales compuestos por Eino Matti Toppinen (alias Eicca).

Tras este disco empezaron las giras, entrevistas y apariciones en revistas importantes de música. Ese mismo año Antero Manninen decide salir de la banda para seguir con sus estudios de música clásica. Fue reemplazado por Perttu Paivo Kullervo Kivilaakso, otro alumno de la academia y amante del Metal.

En el 2000 lanzaron su tercer disco, Cult, que incluía únicamente canciones originales, pero no quisieron dejar atrás sus raíces, así que incluyeron dos covers más de Metallica y un cover de un clásico del compositor noruego Edvard Grieg, In the Hall of the Mountain King.

Este fue un gran paso para ellos, no sólo porque era su primer disco con solo temas originales, sino porque también incluyeron orquestas, contrabajos, percusiones, Cellos eléctricos y por primera vez grabaron una canción con voz. Un año después lanzaron su primer DVD en vivo, Live.

Marcha de Max
Un tiempo después la banda cambió de disquera y las discusiones empezaron, Eicca y Max Lilja discutían el futuro de la banda hasta el punto de que uno de los dos debía salirse de ella, los demás integrantes se pusieron del lado de Eicca y al final Max decidió dejar el grupo y seguir con otro proyecto, Hevein. Como no pudieron encontrar reemplazo la banda se transformó en trío y Antero regresa con ellos, pero solo para tocar en vivo.

Para este tiempo Apocalyptica había encontrado su estilo propio, denominado Cello Metal. Aún así sentían que le faltaba algo a la banda y decidieron invitar a un viejo amigo, Dave Lombardo. Después de grabar algunas canciones con batería, quedaron sorprendidos de lo bien que sonaba la banda con ella y de inmediato supieron que eso era lo que faltaba al grupo.

Así, en el 2003 lanzaron Reflections, dejando atrás los covers y entrando a una nueva etapa. Un tiempo después lanzaron una versión revisada del álbum donde incluirían un nuevo cover, Seemann de Rammstein, con la voz de Nina Hagen.

Apocalyptica invitó a Dave a tocar en su gira pero él no pudo por falta de tiempo, así que invitaron a otro baterista, Mikko Sirén.

En el 2005 lanzaron su álbum homónimo que incluía dos cantantes famosos de Finlandia y tres versiones de su canción Quutamo en diferentes idiomas: inglés, francés y alemán.

Ese mismo año la banda presentó a su nuevo integrante, Mikko, quien había tocado en su gira y colaborado con las canciones.

Décimo aniversario
Para el año 2006 fue lanzado un recopilatorio en conmemoración de su décimo aniversario. Este incluiría sus mejores canciones instrumentales y sus mejores colaboraciones vocales. Además incluiría un cover de Slayer tocado al estilo de Plays Metallica by Four Cellos y una nueva colaboración con la voz de Max Cavalera. La idea original del recopilatorio era, como su nombre indica, incluir canciones remasterizadas, incluyendo Cellos eléctricos y batería, pero por los problemas del cambio de disquera no pudieron conseguir los derechos de las canciones en ese momento.

También lanzaron su segundo DVD en vivo, The Life Burns Tour, uno de sus conciertos de su larga gira del 2005.

La banda comenzara a grabar su nuevo álbum en marzo, el cual se espera que sea lanzado en septiembre u octubre del 2007. En el aparecerá nuevamente Dave Lombardo como invitado en algunas canciones y contara con aproximadamente 3 colaboraciones vocales, aunque solo a sido confirmada una. Según los miembros de la banda llevan aproximadamente 30 canciones escritas de las cuales solo 10 o 15 formaran parte del álbum. También tienen planeada una gira alrededor del mundo con una duración de dos años.

Inicios (1982-83)
Robin Guthrie, DJ en el "Nash", un club nocturno de su ciudad natal, llevaba algún tiempo tocando con Will Heggie en distintos grupos. En el Nash conocieron a Elizabeth Fraser, que frecuentaba el local. Con Guthrie en la guitarra, Heggie en el bajo y Fraser como vocalista, formaron Cocteau Twins. Adoptaron el nombre de una canción de los también escoceses Simple Minds, que posteriormente se llamó "No Future".

En un comienzo ella se retiró, pero tras iniciar una relación con Guthrie, volvió 6 meses después, para quedarse.

En un concierto de The Birthday Party, una de las primeras bandas reclutadas por el naciente sello independiente de música, 4AD, Guthrie fue aconsejado por Phil Calvert, baterista de The Birthday Party, para ponerse en contacto con el sello, del que le dio la dirección.

Siguiendo estos consejos, Guthrie envió algunas grabaciones. Del sello les respondieron, solicitando más. En 1982 llegaron a Londres, donde esa primavera grabaron algunas canciones para Ivo Watts-Russell y en junio primer LP, Garlands. Esta grabación tomó tan solo 7 días.

El disco resultante es de una atmósfera oscura, con un bajo muy marcado, rasgueado con uñeta; una guitarra con distorsión, en acordes y arpegios, unidos a secuencias electrónicas de percusión de un equipo Roland 808, tejen los riffs sobre los que Liz Fraser canta de manera asombrosa sus enigmáticos versos.

Los textos, incomprensibles e inspiradores, llenos de imágenes han sido materia de debate entre sus seguidores. Al cantarlos, Liz hace a veces inéditos giros, semejantes a los trillos (repetición rápida de una nota), que a veces aparecen en la música vocal barroca italiana.

En un concierto, nuevamente de The Birthday Party, Guthrie encontró a John Peel, quien producía sus célebres sesiones en la Radio 1 de la BBC. Entre otros, habían estado en ellas, UB40, Simple Minds y Bauhaus. Guthrie le dio una grabación a Peel. Como resultado de esto, la sesión del 21 de junio fue para Cocteau Twins. Algunas canciones de una sesión de enero de 1983 se agregaron a las edición digital británica y la canadiense de Garlands.

Más tarde, volverían a grabar con Peel, en 1983 y 1984.

El propio Guthrie, refiriéndose más tarde a este encuentro, contaba que habían hecho dos grabaciones y una se la habían dado a Watts-Russell y la otra a Peel, pues no tenían manera de hacer una y copiarla.

En las sesiones de enero del 1983 se incluyen las canciones Dear Heart y una versión de Hazel con intervención de Gordon Sharp de Cindytalk, únicos casos en que hay otra voz aparte de la de Liz.

Las primeras actuaciones en vivo de Cocteau Twins fueron teloneando a The Birthday Party y Modern English. En esta época se nota en escena, una clara influencia del Punk.

Garlands se convertiría en uno de los discos independientes más exitosos de 1982, llegando al quinto lugar en el ranking británico independiente.

El EP que siguió fue Lullabies, que continúa en la misma línea musical. Su carátula llegaría a convertirse en una especie de icono del grupo. La imagen en sepia, de aire victoriano, es la de una mujer descalza, con un amplio vestido, sosteniéndose sobre una mano, con una pierna en alto y la otra perpendicular. La falda adquiere en esta acrobacia la forma de una cala, donde la pierna en alto viene a ser el pistilo y el resto del cuerpo el tallo de la flor. En la contratapa de hecho aparece una cala, transmutación de la primera imagen.

Tras Lullabies, vino Peppermint Pig, donde trabajaron con Alan Rankin de The Associates, como productor. Este EP, si bien fue bien acogido por el público, disgustó mucho a la banda, que decidió no volver a trabajar con productores externos.

El dúo Cocteau Twins (1983)
A comienzos de 1983, Heggie se retira del grupo. Se mantienen en buenos términos, pero Heggie sigue con Lowlife y Cocteau Twins queda ahora sólo con Robin y Liz.

El LP Head Over Heels y el EP Sunburst And Snowblind, grabados en Edimburgo, dan un giro hacia lo que será su sonido. Se aleja del punk y acusa a veces influencias de géneros muy diversos. La percusión electrónica es menos marcada que antes y pulso pierde importancia, en beneficio de otros elementos musicales. El bajo, tocado ahora por Guthire, menos metálico, se fusiona mejor con la guitarra. Esta aparece ahora con más reverb y en varias capas. Hay canciones oscuras pero con una atmósfera algo más etérea, que será el sello de la banda. Liz ocasionalmente hace más de una voz, en textos que se han vuelto casi ininteligibles. Sólo hay títulos extraños, pues jamás publicaron sus letras en los discos.

La gira para este nuevo material les trae bastantes problemas técnicos, pues al estar sólo los dos para tocar en el escenario, necesitan para las cintas con percusión y bajo pregrabados, un adecuado sistema de monitoreo, con el que no cuentan. Esto los deja disconformes y los hace volver a Londres después de 8 conciertos, habiendo planificado inicialmente 15.

En esta época la pareja se establece en Londres e inicia nuevas giras, incluidas sus primeras actuaciones al otro lado del Atlántico. Pronto dejarán de ser un dúo, al encontrar al bajista inglés Simon Raymonde, que se unirá a ellos.

Trabajo en This Mortal Coil
El proyecto This Mortal Coil (TMC), concebido por Ivo Watts Russell estaba formado por artistas de 4AD y ocasionalmente invitados que no pertenecían al sello, que grababan principalmente covers. En el disco It'll End In Tears los Cocteaus participaron junto a Dead Can Dance, Modern English, y otros grupos. Se llegó a hacer muy popular la melancólica y misteriosa versión de Song To The Siren, de Liz y Robin. Esta canción, como Another Day, originalmente para ser cantadas por hombres que se refieren a una mujer, son magistralmente interpretadas por Liz, sin necesidad de adaptar el texto. En la primera, con los acordes oscuros y acuáticos de la guitarra de Robin, en la segunda, con un cuarteto de cuerdas.

Robin manifestaría a propósito que las cuerdas frotadas, habituales en TMC, no eran el sonido que buscaban. En la historia del grupo no las usarían más que en una ocasión, casi 12 años más tarde, en un EP bastante experimental.

De Song To The Siren se llega a hacer un video de fondo negro, con imágenes otoñales, donde aparecen primeros planos de una muy joven Liz Fraser, con -cosa poco frecuente en esa época- un pequeño piercing en la nariz, que después abandonaría definitivamente. Este es el primer video oficial del grupo. La canción, a pesar de su enorme éxito no los deja conformes, pues no corresponde a su trabajo como Cocteau Twins sino como This Mortal Coil.

Así comenzó la relación casi idílica entre el pequeño John Carpenter y el cine, como si se tratara de una prolongación del final de Casablanca. Sería el comienzo de una gran amistad que luego de décadas y hasta el presente le significaría una carrera prodigiosa, subvalorada por muchos y reivindicada por tantos otros, quienes lo consideran el cineasta más talentoso de los últimos 20 años del cine norteamericano.

Fanático confeso de los films de Howard Hawks, obsesivo a la hora de filmar un plano y adepto a los esquemas planteados por el género, la filmografía de John Carpenter se nutrió del terror y la ciencia ficción. En ambos encontró una llave poderosa para dar rienda suelta a su creatividad y para expresar su mirada ante el universo, dotada de una filosofía nihilista propia que se traduce en ideas profundas reflejadas en sus películas.

Nacido en Carthage (New York) en 1948, el anárquico John Howard Carpenter comenzó a filmar historias de acción colmadas de efectos especiales caseros con su cámara de 8mm, regalo de su padre violinista. Diez años después ya se había producido su contacto con el cine fantástico desde sus escritos para su propio fanzine (Fantastic film illustrated), dedicado exclusivamente a ese género. Para ese entonces sus films caseros no le alcanzaron, y a los veinte años -abarrotado de ideas en su cabeza- partió hacia la Universidad del Sur de California para estudiar cine con los grandes maestros: Hitchcock, Welles y Hawks. Entre sus trabajos de estudiante, hubo uno que le significó un premio Oscar luego de haber sido seleccionado por la Academia como Mejor cortometraje. En The resurrection of Bronco Billy fue co-guionista, editor, compositor de la banda sonora y director de segunda unidad.

El hecho singular de hacerse cargo de la composición de la banda sonora de sus películas, es una de sus marcas y se convertiría a lo largo de su carrera en un recurso indispensable para lograr esos climas y atmósferas únicas que caracterizan su obra cinematográfica.

En el transcurso de su estadía en la Universidad (nunca se graduó por reprobar siempre la materia Idioma Extranjero) empezó a filmar un corto que luego se convertiría en su ópera prima: Dark Star (1974). El corto filmado en 16mm y con 6000 dólares cuenta con la participación de Dan O´Bannon (amigo de Carpenter), quien una década más tarde escribiría el guión de El vengador del futuro y dirigiría su única película El regreso de los muertos vivos en 1985, film de culto que parodia a los de zombies y al clásico de George Romero. Dark Star es otra parodia de los viajes espaciales con un guión escrito por Carpenter y O'Bannon, cuyo principal atractivo radica en transmitir la sensación claustrofóbica que rodea a un grupo de astronautas hippies que se debaten en el cosmos con una bomba atómica inteligente que se niega a ser desactivada. El film fue definido por Carpenter y su socio como un "Esperando a Godot en el espacio" y sus referencias a 2001 de Stanley Kubrick son más que evidentes. Convertida en película y pese a la interesante propuesta, esto no contribuyó al despegue anhelado por Carpenter y su amigo, negándole su entrada al negocio cinematográfico.

Su primera aproximación hacia el establishment hollywoodense se produjo gracias a su posterior guión sobre una criatura extraterrestre que se encuentra entre los tripulantes de una nave espacial y desata el terror en la nave, y que luego fue llevado al cine de la mano del director Ridley Scott; se trata de Alien, el octavo pasajero. Sin duda, la idea del encierro y la tensión transmitida por Carpenter se ven plasmadas en las mejores escenas del film.

A comienzos de los 70 se vio involucrado en una serie de interesantes proyectos como guionista, entre ellos el western jamás filmado Blood river y los desperdiciados al momento de rodarse Los ojos de Laura Mars (1978), El día de la luna negra (1986) y el western El Diablo (1990). La gran oportunidad le llegó a John Carpenter cuando conoció a un productor de Filadelfia, quien le propuso realizar un film cuyo costo no superara los cien mil dólares. Convencido del éxito garantizado, Carpenter lo persuadió de hacer un explotation action film con forma de western moderno. Luego de varios nombres sugeridos, fue un distribuidor quien encontró el título que mejor expresaba el espíritu del guión. Bajo el sugestivo nombre de Asalto al precinto 13 nació el segundo largometraje de Carpenter y su carta de presentación como uno de los cineastas más prometedores del momento.

Aquello que en un comienzo fue planteado por su director como "una reelaboración de Río Bravo, de Howard Hawks", luego durante el desarrollo se terminó transformando en un trabajo personal, pulido con ideas propias y con influencias de La noche de los muertos vivientes y del cine catástrofe de los años 70. En la película, del año 1976, la acción se desarrolla en una comisaría abandonada donde un policía negro, un condenado a muerte y una empleada administrativa se defienden del feroz ataque de una pandilla interracial. El film muestra escenas de una intensidad violenta que todavía hoy conservan su sello dentro del género, como el asesinato de una nena mientras saborea su helado o el tiroteo con armas silenciosas en el cual los malos destruyen el lugar. Aunque en Estados Unidos la película no consiguió su merecido reconocimiento, su suerte en Inglaterra como resultado de una adecuada publicidad pensada por su distribuidor británico fue muy diferente, obteniendo elogios de crítica y público hasta en el festival de Cine de Londres del año siguiente.

En calidad de agradecimiento al distribuidor, Carpenter luego inmortalizaría su nombre en el personaje central de su tercer film: Michael Myers, uno de los íconos del cine de terror de las

últimas dos décadas. Para hacerse cargo del proyecto de Halloween (1978), Carpenter exigió que le respetaran tres condiciones: autonomía total, ninguna interferencia y poder componer la banda sonora. Así se gestó Halloween, uno de los films independientes más taquilleros en la historia. Entre el reparto se encontraba el conocido actor Donald Pleasence, quien interpreta al doctor Loomis, y aparece el psychokiller Mike Myers, que asesina a jóvenes pecadores. El film además lanzó a una joven promesa, hija de la actriz Janet Leigh y Tony Curtis, llamada Jamie Lee Curtis. Con la película Carpenter no se vio influenciado por su admirado Hawks, sino que esta vez se dejó atraer por otro maestro, Alfred Hitchcock, precisamente por Psicosis. De esta forma fue elaborando una trama cuyo principal acierto lo constituyó la creación de su villano Myers, que en la noche de Halloween de 1962 siendo apenas un niño asesina a su hermana adolescente, quien acababa de tener sexo con su novio.

Sangre, tensión y una banda sonora compuesta por el mítico Carpenter no fueron los únicos ingredientes adecuados para lograr una fórmula exitosa, sino también la idea original de que el protagonista aparezca con una máscara tapando su rostro. Este hallazgo permitió otorgarle a la figura de Myers un aspecto monstruoso y no humano, además de sus sucesivas resurrecciones que lo ubican en el campo de lo sobrenatural. Como sucede con cada film de John Carpenter, se pueden elaborar varias lecturas sobre ideas plasmadas en la pantalla.

En el caso de Halloween se lo acusó de ser un film moralista, dado que quienes tienen relaciones son asesinados por Myers y el personaje de Curtis aparenta cierta represión sexual. En esta película hay un modo implícito de entender el cine, que dista del que impera en la mayor parte de las producciones del género.

Carpenter calcula cada uno de los movimientos de la cámara con una precisión milimétrica. Ni los encuadres ni el uso del fuera de campo son gratuitos.

Si la temática del encierro era evidente en Asalto al precinto 13, en esta ocasión desaparece la claustrofobia: él mismo afirmaba en una entrevista que su técnica consistía en poner paredes por todas partes que bloquearan a los personajes y hacer un buen uso de las lentes.

Más allá de las críticas, el film fue un éxito impresionante y no tardaron en llegar sus secuelas. Pese a los millones de dólares que consiguió recaudar, Carpenter no participó de las ganancias, debido a que eso estipulaba su contrato. De las seis secuelas que hasta el momento se hicieron de Halloween, John sólo participó de forma activa en la parte dos como co-guionista, compositor musical y co-productor; el film fue dirigido en 1981 por Rick Rosenthal. En Halloween 3, su aporte fue en la banda sonora y como co-productor. Afortunadamente, no tuvo nada que ver con las sucesivas Halloween 4, el retorno de Michael Myers (1988), Halloween 5 (1989), Halloween: la maldición de Michael Myers (1995) y H20 (2000). Todos estos films fueron mediocres pero obtuvieron buenos resultados en la taquilla y el apoyo incondicional de sus seguidores. El impacto de Halloween en lo que se refiere al género fue tan grande que no tardaron en multiplicarse las películas de dudosa calidad sobre adolescentes asesinados por un psicópata de turno al estilo Myers, como la recordada saga Martes 13. No cabe duda que estos splatter films (tripas y mucha sangre) son un tributo a Halloween y a su creador. Sin embargo, distan mucho de aquella película cuyo recurso principal era sugerir en vez de mostrar, lección que Carpenter debe a Hitchcock indudablemente.

Si bien nunca más pudo generar un fenómeno comercial como el de Halloween, sus trabajos posteriores gozan de una calidad indiscutible. En La niebla (1980) unió a Jamie Lee Curtis con su madre Janet Leigh en una historia de fantasmas donde se rebela el pasado criminal de un pueblo californiano. El film presenta un estilo cinematográfico muy cuidado y la influencia de los cuentos de Lovecraft en su narrativa. Tuvo como coprotagonista a su esposa Adriene Barbeau, quien también integró el excepcional elenco de su siguiente film Escape de Nueva York (1981), con Kurt Russell, Lee Van Clef y Donald Pleseance entre otros. Con un presupuesto de siete millones de dólares para representar un futuro desolador donde la ciudad de Manhattan se convierte en una prisión, el vuelo creativo de su director no tiene límites. Esta quizás sea su película más ingeniosa, cínica y divertida, que a su vez contó con la empresa de Roger Corman para los efectos especiales y de uno de sus empleados, el director James Cameron.

El salto cualitativo provocado por el film tuvo un rápido efecto positivo en el siguiente proyecto. Así fue como en 1982 llegó El enigma de otro mundo (The Thing), su film más ambicioso. Otra vez Kurt Russell se encarga de protagonizar este remake del año 1951. La historia se desarrolla en un puesto estadounidense que se instala en la Antártida para investigar el extraño comportamiento de un grupo de colegas que intentan asesinar a un pobre perro, hasta que finalmente descubren que se trata de un ser extraterrestre que asimila la forma humana. La película se destaca por dos aspectos: sus efectos especiales y su final incierto y muy poco convencional, aunque no fue un aliciente en cuanto a taquilla y crítica.

Con Christine (1983) -basada en una novela de Stephen King- logró su mejor obra como director. Luego de este film que se apoyó en la atmósfera transmitida por King en su novela original, donde un automóvil poseído desata el terror en un pueblo pequeño, Carpenter se toma un respiro de sus historias truculentas y se aleja del género experimentando con otras ideas.

Así surgió Starman (1984), con Jeff Bridges en un rol de extraterrestre bueno que conoce la intolerancia de los hombres y descubre el amor. Esta idea marcó el lado opuesto de El enigma de otro mundo y es un film sentimental de su factoría. Tal vez su proyecto más cercano al mainstream y sorpresivo porque precisamente siempre se mantuvo lejos de esta tendencia fue Rescate en el barrio chino (1986). Esta comedia de acción desopilante con Kurt Russell y Kim Catrall como su partenaire femenino es su obra más despareja, y además implicó el distanciamiento de Russell como colaborador de Carpenter.

Superada esta etapa, con El Príncipe de las tinieblas (1987) vuelve a explotar el costado terrorífico y apocalíptico con un costo muy reducido. El film se concentra en la historia de una iglesia habitada por un cura sin fe que encuentra la verdadera esencia del mal en un líquido extraño que transforma a la gente en zombies. Contando nuevamente con la presencia de Donald Pleasence, podría considerarse que esta producción es una variación de Asalto al precinto 13. El siguiente trabajo es quizás su film más político y anárquico, Sobreviven (1988), con el luchador de catch Roddy Piper, quien interpreta al obrero de una construcción que llega a una villa miseria de Los Angeles invadida por extraterrestres que mediante mensajes subliminales esclavizan y corrompen a los humanos. Carpenter no tuvo problemas en admitir que su film es una alegoría sobre los republicanos de la era reaganiana, así como también una mirada crítica sobre la sociedad.

Luego de un prolongado descanso que se extendió por 4 años, el realizador retomó su vínculo con el establishment a través de su fallida Diario de un hombre invisible (1992) con el comediante Chevy Chase. El retorno al terror y al universo Lovecraftiano encuentra su máximo exponente en su film posterior En la boca del miedo, que cuenta entre sus figuras estelares al interesante Sam Neill y al experimentado Charlton Heston. La película, inmerso en una atmósfera claustrofóbica y paranoica gira en torno a un libro de terror que puede desatar el apocalipsis. Es una obra maestra del género pese a su escasa repercusión. En un intento por recuperar la taquilla, en 1995 realizó El pueblo de los malditos, una remake de la historia de unos niños extraterrestres con poderes capaces de controlar la voluntad de los pobladores atemorizados. Si bien el film es excelente no alcanzó el objetivo de taquilla que necesitaba.

Carpenter también dejó su rastro en la televisión con el thriller hitchcockeano Someone is watching Me (1978), la biografía Elvis con el protagónico de Kurt Russell, y la serie para cable Bodybags (1993), donde aparece encarnando a un excéntrico cuidador de una morgue.

En 1996 se reencontró con Kurt Russell en Fuga de Los Angeles, secuela de Escape de Nueva Cork e indiscutiblemente una de las mejores películas de su último período. El film -concebido con un estilo similar al de un cómic- transmite bajo cierto nihilismo un tono irónico, donde subyacen sus ideas políticas y su mirada escéptica frente al futuro.

En sus dos obras siguientes, Carpenter recurre a las claves del género del western y el terror y resignifica sus viejas obsesiones. En primera instancia, Vampiros puede considerarse un western moderno y apocalíptico, con James Woods en su rol de caza-vampiros memorable. Por otra parte, en Fantasmas de Marte (2001), con la sensual Natasha Henstridge, la historia se desarrolla en un planeta en el que las fuerzas del mal se apoderan de una tribu post-industrial que retrocede a un estado de primitivismo. El film se caracteriza por la violencia de sus imágenes y su relato construido en una serie de flashbacks donde se aprecia la fluidez narrativa de su director.

Nació en Roma, sus padres fueron el productor de cine Salvatore Argento y la modelo brasileña Elda Luxardo. Empezó su carrera como crítico de cine, escribiendo para varias revistas mientras estudiaba. No entró a la universidad, eligiendo escribir para el diario "Paese Sera".

Mientras trabajaba para el diario comenzó a escribir guiones. Uno de sus trabajos más notables fue en colaboración de Bernardo Bertolucci para la película de Sergio Leone, Once Upon a Time in the West. Escribió y dirigió su primera película, The Bird with the Crystal Plumage, que fue estrenada en 1970, siendo todo un éxito en Italia.

Su estilo como director fue influenciado por Mario Bava, Riccardo Freda, Sergio Leone, Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonioni y Federico Fellini.

Aunque Mario Bava es catalogado como el creador del cine Giallo, Argento fue quien popularizó el género y lo expandió fuera de Italia. Dirigió tres películas bastante exitosas dentro del género, The Bird with the Crystal Plumage, The Cat o' Nine Tails (1971) y Four Flies on Grey Velvet (1972). Argento volvió a los thrillers con Deep Red (1975), catalogada como el mejor trabajo del italiano. La película hizo famoso a Argento, y su estilo inspiró a varios directores como John Carpenter, conocido por su película Halloween.

La siguiente película de Argento fue Suspiria (1977), un thriller violento y sobrenatural, muchos fans nombran a Suspiria y Deep Red como los mejores trabajos de Argento. Esta película era la primera de la trilogía sobre "Las tres madres", tres antiguas brujas que vivían en tres ciudades modernas diferentes. La segunda película de la saga fue Inferno en los años 1980. Pero la trilogía no se pudo completar debido a problemas financieros.

En 1978 participa en la película de George A. Romero, El Amanecer de los Muertos, como productor.

Argento vuelve al cine giallo con Tenebrae (1982) y Phenomena (1985). Además escribió dos guiones para el hijo de Mario Bava, Lamberto Bava, en las películas Demoni (1985) y Demoni 2 (1986).

En 1987 es estrenada la película Opera, mal recibida por los fans y críticos. Además hubo otros incidentes, la muerte del padre de Argento fue durante la producción, la protagonista Vanessa Redgrave dejó el proyecto después que la filmación había comenzado, tuvo problemas trabajando con su colaboradora y pareja Daria Nicolodi, la filmación estuvo llena de pequeños accidentes y errores que convirtieron a la película en una de las peores experiencias de Argento.

Argento colaboró con George A. Romero en una adaptación a la obra de Edgar Allan Poe, Two Evil Eyes en 1990. También participó en películas de poca fama como Trauma (1993) y una versión de El Fantasma de la Opera en 1998. Tras estas películas perdió muchos fans y los críticos no lo veían de buena manera.

Volvió al género giallo con Sleepless (2001) y The Card Player (2004), con esto recuperó a algunos de sus fans, pero su nuevo estilo no fue visto del todo bien por la crítica.

En el año 2005 dirigió un capítulo de la serie Masters of Horror titulado "Jenifer", el trabajo fue recibido de buena forma por los críticos.

Tras instalarse en Notting Hill Gate graban un Ep de debú, titulado Turn to Red, publicado por su propio sello Malicious damage. El Ep contendría canciones como Turn To Red, Almost Red, Nervous System y Are You Receiving?, que llamarían la atención de un locutor de la BBC llamado John Peel, quien impresionado por el disco decide invitarlos a participar en sus exitosas sesiones. A raíz de esto, en 1979 Killing Joke consiguen un contrato con Island Records.

En febrero de 1980 se edita el single Wardance dentro del sello Malicious Damage y un año más tarde cambiarían de compañía, pasando de las filas de Island Records hacía EG. Con ese sello, editan su primer álbum en mayo de 1981 con el titulo de Killing Joke, creando un sonido único y visceral, donde cabrían guitarras cortantes, bases rítmicas contundentes derivadas del punk y teclados que añadirían matices oscuros e hipnóticos. Una tensa y profunda combinación con la que el cantante Jaz Coleman esparciría sus enigmáticas letras. Dos de los primeros éxitos del disco serian The Wait y Requiem, que posteriormente tendrían sendas versiones realizadas por Metallica y Foo Fighters. Otras bandas que versionearian a Killing Joke serían Amen con Europe, Helmet con Primitive y evidentemente Love Like Blood con Love Like Blood.

Tras la edición del disco, Killing Joke actuaron con asiduidad por toda Inglaterra, labrándose una buena fama de desagradables y polémicos en sus shows. Este aspecto les afectaría hasta el punto de que se les anularía un show en Glasgow. De hecho parte de la prensa tuvo una reacción negativa con la banda, calificándoles de música dura y de moral quebrada. Su polémico sentido del humor se reflejaría en portadas como la de Laugh? I Nearly Bought One! donde se llegaría a mostrar un cardenal dirigiendo una legión de nazis.

En julio de 1981 aparece el segundo trabajo de la banda, What's This For...!, un disco influyente del cual tomarían nota grupos posteriores como Ministry y Prong. Tanto este Lp, como el primero serían producidos por el dúo formado por Geordie y Youth. Su tercer álbum, no se haría esperar y en junio de 1982 se editaría Revelations. Un álbum grabado en Berlín bajo la dirección de Conrad Plank, que aportaría nuevos clásicos como Land of Milk and Honey, Empire Song, Hum o We Have Joy. Pese a sus detractores, Killing Joke seguían siendo una banda popular que ofrecía con relativa frecuencia actuaciones en las radios y las Peel Sessions. Pero ese mismo año se produce un gran problema, la primera huida de Jaz Coleman, debida a su gran pasión por el ocultismo (compartida también por su amigo Jimmi Page).

Jaz, creyendo que el Apocalipsis es inminente, abandona la banda junto a Geordie y se refugian en Islandia en marzo de 1982. Como el fin del mundo no se produce, comienzan a trabajar con diversas formaciones de la isla como el grupo punk Sugarcubes (conocido por ser integrado por Björk) y otra formación llamada Theyr. En ese periodo Youth, quien también había ido a Islandia, vuelve a Inglaterra y forma un nuevo grupo junto a Paul Ferguson llamado Brillant. Pero al poco tiempo, Ferguson y un bajista llamado Paul Raven se reúnen en Islandia con Coleman y Geordie, para convencerles de seguir adelante con Killing Joke. A finales de ese año se produciría la primera visita a España, actuando en Madrid el 15/10/82 en Rockola.

En 1983, Killing Joke editarían un nuevo álbum titulado Fire Dances, que marcaría la entrada del bajista Paul Raven. El disco sería realizado a medio camino entre Islandia e Inglaterra, y contaría con la producción de John Porter.

Night Time, el quinto álbum de la banda, sería uno de los discos más exitosos de la carrera de Killing Joke. Aparecido en 1985, fue grabado en Berlín entre agosto y septiembre del 84, con la producción de Chris Kimsey. En él, Killing Joke actualizarían su sonido, experimentando con la electrónica y los teclados, generando una serie de hits como Eighties, Kings and Queens o Love Like Blood, que contarían con la aprobación de nuevos fans, acercándolos a terrenos más góticos. Además de contar con las joyas citadas, en el disco aparecerían canciones de la talla de Tabazan, Darkness Before Dawn y Night Time.

El mayor éxito del disco sería Eighties, una canción que en los años 90 provocaría una pequeño problema de plagio por parte de Nirvana. Para la gira de NitghTime, tendrían el apoyo de un nuevo teclista llamado Dave Kovacevic, con lo cual Jaz pasaría a convertirse en un autentico front-man.

En 1986, y de nuevo con Chris Kimsey a la producción, editan Brighter Than A Thousand Suns, un disco con mayor presencia de teclados que acentuaría el lado más pop de la banda, perdiendo un poco de la corrosividad y la fuerza de antaño. Como curiosidad, el disco incluiría un poema del conocido Aleister Crowley perteneciente a su libro "The book of Lies".

Dos años más tarde se publicaría Outside The Gate, un disco que haría perder fans a Killing Joke. El batería Paul Ferguson ya no estaba en la banda y fue sustituido por Jimmy Copley y un percusionista adicional llamado Jeff Scantlebury. Sus composiciones serían firmadas por el dúo Coleman/Walker, mostrando un incipiente interés por el rock progresivo, la producción sinfónica y las nuevas tendencias. El disco también serviría como homenaje a Conny Plank.

En 1989 se pública The Courtald Talks, bajo el sello de Martin Atkins (PIL / Pigface), Invisible Records. El disco pese a tener el nombre de Killing Joke, básicamente es un monólogo de Jaz acompañado eventualmente por percusión de Jeff Scantlebury y algunas guitarra esporádica. En él, Jaz habla sobre temas relevantes al ocultismo como la demonologia y la numerología. Realmente, es interesante por ser uno de los aspectos de la filosofía de la banda, pero más que un disco se le puede considerar un spoken word.

En 1990 reaparecerían Geordie, Raven y Jaz, acompañados por el batería Martin Atkins y el teclista John Bechdel, para confeccionar Extremities, Dirt And Various Repressed Emotions, el sucesor de Outside the Gate. Un Lp grabado en agosto de 1990 en Townhouse Studios (Londres), que supondría un nuevo punto de ruptura en la música de Killing Joke. Derivado del rock industrial, el sonido se tornaría mucho más crudo y oscuro, si bien conservaría los toques progresivos de sus últimos álbumes, que le dotarían de gran profundidad y ciertos toques místicos. Las letras también acompañarían a la música, pues serían muy criticas con la sociedad y el sistema capitalista.

Después de la edición del disco y su posterior gira, la banda desaparecería durante cuatro largos años. Tiempo suficiente para que sus miembros se involucraran en otros proyectos. Uno de los más interesantes sería Murder Inc, un grupo en el que participarían Geordie Walker, Paul Raven, Paul Ferguson, Martin Atkins y John Bechdel, junto al vocalista de Ministry y Revolting Cocks, Chris Connelly. Por su parte Jaz Coleman trabajaría en un proyecto junto Anne Dudley. En 1992, aparecería una recopilación basada en las distintas épocas de la banda con el título de Laugh? I Nearly Bought One!, que recogería los 17 temas más emblemáticos de la banda desde 1978 hasta 1990. El diseño sería obra de Mike Coles, y contaría con una controvertida portada en la que aparece un sacerdote encabezando a una legión de nazis.

Por esas fechas comenzaron a llegar elogios de toda una nueva generación que había crecido con la banda. Desde artistas como Metallica, Rancid, Stabbing Westward, Prong, Voivod o Ministry, hasta bandas punteras del Grunge como Soundgarden o Nirvana. El cantante de Soundgarden, Chris Cornell les citaría como su banda preferida junto Black Sabbath mientras que Nirvana tomaría algo prestado del riff de Eighties para su tema Come As You Are, lo que les valdría una pequeña demanda.

No sería hasta 1994 cuando Killing Joke volvería a la acción como trío. Junto a Coleman y Walker, estaría el bajista original Youth, que en los años posteriores a su marcha de Killing Joke en 1983, había publicado diversos álbumes con Brillant y también emprendería una carrera como productor.

El proceso de grabación de Pandemonium comenzaría en Mayo de 1994, para ello, Geordie que vivía junto a su esposa en Detroit, se trasladaría a Nueva Zelanda en busca de Jaz y Youth. En tres semanas, registrarían las primeras demos en el estudio de Jaz, y regresarían a Londres, donde trabajarían con el batería Jeff Dugmore. Los teclados se grabarían en Inglaterra, y las voces se grabarían a medio camino entre Inglaterra y la Cámara del Rey en la Gran Pirámide de Egipto. En la grabación, participarían varios percusionistas y violinistas egipcios, que enriquecerían el disco dotándolo de una atmósfera oscura e impactante.

En Pandemonium, se acentuaría la vena metalera y la lírica esotérica, comenzando por la enigmática portada de Mike Coles. La inspiración les llegaría a través de los estudios de Jaz, admirador de la música árabe y egipcia, que tocaría la retórica del Apocalipsis en el Lp, mientras que la forma de tocar la guitarra de Geordie se endurece drásticamente, complementándolo con unos poderosos sintetizadores, que dan paso a la voz de Jaz, que llega a mostrar nuevos registros.

Con la publicación de Pandemonium, Killing Joke vuelven a disfrutar del estatus de superventas. Con una gran acogida por parte de las estaciones de radio americanas, con el single Millenium. En muchos sitios se les consideraría como una banda nueva y generarían una multitud de nuevos fans.

Posteriormente a la edición del álbum, se realizaría una gira en la que abordarían el difícil sonido del disco. Para ello, trabajarían con samplers, logrando adaptar con seguridad el rico sonido de Pandemonium. Como muestra de ello se editaría un Ep en directo llamado Jana Live Ep, que incluiría temas como Exorcism y Jana. El siguiente paso de Killing Joke fue una participación en la BSO de Showgirls de Paul Verhoven, el tema se titularía Hollywood Babylon.

En 1995, Virgin editaría una nueva compilación que recogería 13 temas, una serie de rarezas, caras B y remezclas difíciles de encontrar, titulada Wildful Days. Al febrero del año siguiente, aparecería BBC In Concert, un álbum en directo que aprovecharía el éxito de Pandemonium. El setlist recogería los clásicos de la banda perteneciente a su etapa de mediados de los 80s, hasta el álbum Brighter Than a Thousand Suns.

Por esas fechas hubo fuertes rumores de que Youth se podría incorporar como productor para el nuevo álbum de los Gun n´roses de Axl Rose, pero finalmente en abril del 96 los Joke retornaron con un nuevo álbum titulado Democracy, una obra con la que volvieron a sus orígenes y que sería elegido como disco del mes en diversas publicaciones especializadas como Rock Hard y Metal Hammer en Alemania. A finales de mayo, Killing Joke volverían a aproximarse a España, en una serie de actuaciones que les llevaría a Barcelona, Valencia, Madrid y Bilbao.

Lamentablemente después de la publicación del álbum, Jaz volvió a mostrar la obsesión que reflejo a finales de los 80 y marcho a Nueva Zelanda a esperar el fin del mundo. En ese tiempo se dedicaría a jugar al golf, producir bandas locales de New Wave y sus proyectos sinfónicos. Produciéndose otra disolución de la banda, con vistas a ser definitiva.

Pero Killing Joke seguía teniendo un núcleo de fans muy fieles y en el 2001 aparece un nuevo álbum en directo de la banda llamado No Way Out But Forward To Go. Un álbum correspondiente a la gira de Night Time, que en su edición especial incorporaba un cd adicional con el vídeo correspondiente a ese show.

En el 2002, tras seis años desde su última obra, correrían fuertes rumores sobre una posible reunificación de Killing Joke. Esté hecho quedaría constatado con una nueva alineación, formada por Jaz Coleman, Geordie Walker, Paul Raven, Youth y el batería Ted Parsons (Prong / Godflesh). El título del álbum sería Killing Joke y se especularía con las colaboraciones de gente tan diversa como el productor Andy Gill, Dave Grohl (Nirvana), Charlie Clouser (ex-teclista de NIN) y miembros de Tool y System Of A Down. Finalmente Dave Grohl sería el elegido para desarrollar las partes de batería del disco.

El más grande misterio alrededor de este grupo es la figura de la carismática cantante Anna-Varney . Según lo publicado por algunas revistas (se dice que solo se le puede entrevistar por vía fax, nunca en una reunión personal), que vive en el más absoluto secreto, no se sabe su verdadero nombre, no proporciona ningún mail ni teléfono, según se dice vive en “sus amadas catacumbas” con sus amigos espirituales llamados “The Ensemble of Shadows”.No da conciertos, "no para audiencia humana", todo esto aunado a su bella música tal vez sea probablemente la causa de su éxito asombroso en la vieja y esquizofrénica Europa y sea considerada como uno de los actos más honestos dentro del movimiento Dark y lo hace ser considerado como verdadero grupo de culto.

Todo empezó en 1989 cuando dos individuos conocidos como Varney y Holger se encontraron en un bar-gothic en Frankfort, Alemania. Aunque ellos no tenían el dinero para comprar los instrumentos, tenían que componer su música totalmente en sus mentes, así ellos soltaron la trilogía de casettes-demos “Es reiten die Toten so schnell..., Rufus y Till’ time and times are done“en 1992. En el futuro, Holger dejó el grupo y la recientemente fundada etiqueta llamada Apocaliptyic Vision se interesó en la música de Varney. En 1994 el CD debut con el título de “...Icht töte mich jedesmal aûfs Neûe, doch ich bin ûnsterblich, ûnd ich erstehe wieder aûf; in einer Vision des Untergangs...” que solamente salió una edición limitada de 1000 copias.

Muchas veces se le preguntó a Anna-Varney de donde provenía su inspiración de su música.Su contestación siempre era muy enigmática, pero si lo vemos en conjunto los pedazos de información que pueden reunirse, nosotros podemos darnos cuenta que de la fascinante biografía de una afligida y atormentada alma se encuentra un ser humano excepcional .Cuando Anna-Varney contaba con 20 años sufrió de depresiones profundas y problemas emocionales muy serios. Nacido en un cuerpo masculino, pero sintiéndose mujer, su vida temprana no fue fácil. Además considero a su madre como “la mujer que le proporciono comida, ropa, y palizas”, lo que hizo a Anna un niño muy sensible. Debe de haber habido varias experiencias traumáticas que hicieron una marca en el alma de Anna-Varney. Afortunadamente Anna-Varney siempre había tenido a sus amigos espirituales; seres inmateriales que la guiaron, la aconsejaron y la ayudaron. Los llama “The Ensemble of Shadows”, y los acredita por inspirarla en su música. Siempre señala que no crea la música, que solo la recibe.” Yo creo que el universo entero está saturado por música”, dijo en una entrevista .Solo trae a la vida del mundo material lo que siempre había existido durante todo el tiempo en el mundo inmaterial. Que trae a nosotros la visión religiosa del mundo de Sopor Aeternus: “La religión es anteriormente a toda la unidad.” Anna-Varney cree que todo en el universo se conecta con todo. La tarea del ser humano es descubrir la unidad con el universo entero. Hoy la mayoría de las personas vive en la ilusión del mundo que ellos pueden ver y tocar es la única “realidad”. Pero Anna-Varney nos dice que detrás de esta superficie engañosa hay otro mundo espiritual que es tan real como el que nosotros normalmente percibimos como realidad. La meta para cada ser humano es despertar de este sueño. El nombre del grupo Sopor Aeternus puede traducirse como “sueño eterno” o “deathsleep” y simboliza el estado del condenado así como su dolor insoportable. Es necesario despertar de este sueño para que solamente así nosotros podamos ver que la vida y la muerte es uno mismo. Este es el nuevo concepto de unidad.

Música como ayuda emocional .Haciendo música, Anna-Varney está intentando trabajar sus depresiones. Lo describe como un tipo de “introvertido exhibicionismo”. Por lo tanto sus líricas son siempre muy personales y no fácilmente entendibles por otras personas. Sin embargo, allí puede notarse la enorme influencia de su estado mental en las grabaciones. Los demos por ejemplo tratan sobre el vampirismo, la muerte y los no muertos. En este tiempo, Anna-Varney estaba seriamente enferma, amenazada con perder su vista. El primer álbum “Ich töte mich...” en un álbum muy críptico, gótico y depresivo. Es evidente que Anna-Varney había sufrido mucho de problemas emocionales y estaba atormentada por un dolor insoportable. Todo lo demás se deja a la imaginación del escucha.“Yo lo único que deseo es morir y descansar finalmente en paz, pero aún el lujo de la muerte, no puede curar las heridas que el tiempo no pudo curar.”

La música de Sopor Aeternus

En el artwork y las fotografías promociónales de Sopor Aeternus abundan los cráneos y los huesos que el vocalista trae para molestar un alma atormentada en la desesperación más absoluta. Una de sus canciones es "Die Bruderschaft des Schmerzes" que son verdaderos himnos de tristeza. La propia música es una ingeniosa mezcla de Darkwave, música clásica y danzas medievales bellamente encajadas. Los instrumentos más prominentes son la flauta y la campanilla de la muerte entre los teclados y las cuerdas. Algunas canciones parecen marchas de entierro y otras son más rápidas y “más felices”, que sólo hacen que suenen más macabras.

El segundo álbum Todeswunch –Sous le Soleil de Saturne- (Suicidio –Bajo el Sol de Saturno-) era, musicalmente hablando, una luz momentánea y pequeña en sus depresiones. En contradicción a esto las líricas son aún más tristes. Anna-Varney dijo que ella estaba realmente llorando mientras grababa algunas de sus canciones, tan fuerte era el impacto de sus emociones. Todas las letras giran alrededor de “el suicidio, dulce suicidio”.

El dolor, el miedo y la frustración estaba jugando difícilmente en Anna-Varney, Sólo a través de la ayuda y consejos de “The Ensemble of Shadows” no se comprometió con el suicidio para escapar de esta locura. Alrededor del año 1997 Anna-Varney pensó seriamente sobre una operación del género y comenzó a llamarse Anna-Varney (anteriormente solo Varney). Algunas alusiones en sus entrevistas realizadas, la gente cree que realmente realizó la operación. Hasta hoy todo lo relacionado con este tema sigue siendo un completo misterio. El mini CD “Ehieh Ascher Ehieh” (1996), limitado únicamente a 3000 copias documentan esta fase de su vida. Entre algunas canciones remezcladas del segundo álbum hay también una canción titulada “The Gift of Self-Castration” (El regalo de mi castración). Pero Anna-Varney se llamó ahora teóricamente una “mujer heterosexual”. Ella se describió más bien como un ser de “el quinto género”, un concepto derivado de los indios Navajos de Norteamérica. El primero y segundo género son hombre y mujer, el tercero y el cuarto son un hombre dentro del cuerpo de una mujer y una mujer dentro del cuerpo de un hombre son llamados “ dos espíritus dentro de la persona”. El quinto género consiste finalmente en un “ser multiespiritual” entre el que Anna-Varney se cuenta.

En el verano de 1999 Sopor Aeternus lanzó su álbum llamado “Dead Lover’s Sarabande (Face1)”. Con las ilustraciones y portada totalmente en blanco y negro, esta obra de arte se remonta a sus raíces, no hay sonidos felices esta vez. La canción "1334" se conecta con el suicidio del fundador del grupo Christian Death el cantante Rozz Wiliams que ocurrió el día 1 de Abril de 1998. Aparentemente existió una cercana amistad basada a través de cartas entre Anna-Varney y él. La música en este disco es triste, lenta, oscura pero excelentemente producida. Las orquestaciones clásicas y las brillantes melodías son un placer para el escucha. Este trabajo se divide en "Face 1 & Face 2" . Desgraciadam
ente Anna-Varney se negó a dar alguna explicación de sus líricas de este disco comentando que “todo se ha dicho ya”. Todo lo que nosotros podemos hacer es tomar su consejo de escuchar a Sopor Aeternus “con nuestros corazones”.
”Soy como el dudoso beso de un cadáver o quizá el beso de una antigua piedra.”

La banda fue creada por la mente del escritor Michael Haas (también conocido como Engelke) en 1994. Su primer trabajo, "Die Kemenaten scharlachroter Lichter" (1997), tuvo grandes críticas en algunos medios. Su siguiente reto fue crear la "trilogía rusa" formada por los álbumes "Das Tagebuch der Hanna Anikin", "Das Schachbrett des Trommelbuben Zacharias" y "39 Jahre für den Leierkastenmann".

"39 Jahre für den Leierkastenmann" (subtitulada "Ein Stück für die Judenstadt") es una obra de teatro en tres actos que narra las desgracias de cuatro músicos judíos rusos durante la guerra mundial.
Discografía
Split with Amestigon 1996
Die Kemenaten Scharlachroter Lichter 1997
Das Schachbrett Des Trommelbuben Zacharias 1999
39 Jahre Für Den Leierkastenmann 2001
Ein Toter Fährt Gern Ringelspiel 2004
Miembros
Michael Haas (voz)
Irene Denner (voz)
Rainer Guggenberger (voz)
Jochen Stock (voz)
Mario Newtwich (piano)
Krzysztof Dobrek (acordeón)
Roland Bentz (violín)
Svea Juckum-Bentz (violín)
Giuseppe Gravoni (cello)
Bernhard Seibt (clarinete)
Alex Dostal (batería)
Emmerich Haimer (guitarra)
Harald Hauser (bajo)
Jochen Stock (bajo)
Gottfried Kölbl (tuba)